宇宙万物：怎么用艺术为宇宙万物注入灵魂？

👆懂不懂艺术都能看懂的象外

2004年，Matt Pyke独自坐在谢菲尔德住宅的阁楼里，思考着一个问题：什么词能够描述我想要创造的空间？

"Universal Everything"——宇宙万物，这成了这家英国数字艺术工作室的名字。

你可以说这个名字是无限的关切，也可以说是后来他们创作的方法论：他们的作品探索抽象与具象形式之间的张力，通过声音与图像的融合，创作出富有表现力、充满活力、将生命力、灵魂注入宇宙万物的数字作品。

现代汽车文化中心（北京）正在展出「现代汽⻋ × 宇宙万物：跨越⼗年的共创」展览。

现代汽⻋ × 宇宙万物：跨越⼗年的共创

展期：2025年10⽉9⽇ – 2026年6⽉7⽇

艺术家：宇宙万物（Universal Everything）

地点：现代汽⻋⽂化中⼼，北京朝阳区酒仙桥路4号798艺术区E-1

观展提示：展览及导览全程免费，并可获得能够珍藏观展回忆的展览纪念品

「现代汽车 × 宇宙万物：跨越十年的共创」展览现场图

数字艺术的"灵魂注入术"

展览中轮换播放关于“宇宙万物”的两部影片：《The Creators Project (2012)》和《Who are Universal Everything? (2024)》。

"你拿一个无生命的形状，在上面贴两个点，它就突然活了——两只眼睛。你可以把眼睛贴在任何东西上，它就突然有了生命。"

在《The Creators Project (2012)》中，当时还很年轻的Matt Pyke坐在他位于谢菲尔德的工作室里，描述了让冰冷物质获得温度的极简魔法。

这个看似简单的洞察，构成了宇宙万物——这家英国数字艺术工作室——过去二十年创作的哲学基石。

《我们都是独一无二的》动态截图

这个简单的洞察背后其实关联着人类原始的感知现象。这种现象有一个专业术语： 空想性错视(Pareidolia)——人类在云朵、烤面包甚至火星表面都有看到人脸的倾向。"两只眼睛和一张脸，它就能与人连接，"在《 Who are Universal Everything? (2024)》Pyke解释说，"我们只是新一代人在挖掘这种原始感觉。"

宇宙万物，《我们都是独一无二的》，4K视频，1分30秒循环播放，2022。受现代汽车委托创作。

如果说给形状贴上两个点是让事物长出生命力的初级魔法，那么动作捕捉技术则是宇宙万物掌握的高级咒语。

在由日本FRAMED数字艺术画廊委托进行的运动研究探索视频雕塑项目中，他们捕捉了一位太极大师的动作数据，将这些运动信息转化为抽象的、由激光勾勒的人形轮廓。当画面暂停时，你看到的是某种当代建筑方案般的几何构图；一旦按下播放键，那些线条开始流动，你立刻感知到：这里面有一个人，有一个灵魂。

"运动，是为作品注入灵魂的东西，"Pyke在影片中解释道，"我们发现了一个有趣的现象：即使创造出非常抽象的形体，只要注入人类的运动方式——通过动作捕捉软件或数据——即便形态停留在抽象的边缘，那种灵魂性就会显现出来。你能感觉到里面有一个灵魂。"

宇宙万物曾为现代集团百货公司LED 波普艺术视频墙创作的艺术作品《超级消费者》动态截图

宇宙万物的创作，正是在这种生物本能与尖端技术之间找到了交汇点。他们用3D软件创造出极度抽象、从未在自然界存在过的形态，但一旦将人类舞者、武术家或普通人的运动数据注入其中，这些形态就跨越了"抽象-具象"的临界点，获得了生命感。

从阁楼到全球

因为身在谢菲尔德而非伦敦，Pyke将目光投向全球："日本的程序员、美国的产品设计师、各地的音乐家和编舞师——我们建立起一个自然生长的远程协作网络。"在2004年显得前卫的工作方式却预言了创意产业如今的形态。

宇宙万物工作室的日常充满了一种独特的节奏：所有人先聚在一起，面对面讨论、碰撞想法，然后各自回到"工作室洞穴"中专注创作，最后再聚首，兴奋地向彼此展示成果。"那种氛围真的很棒，"Pyke在影片中说，"每个人都有精神自由去做自己擅长的事，然后在某些节点重新对齐。"

二十年过去，这个最初只有Pyke一人的阁楼项目，已经成长为一个由四人核心团队和全球协作者组成的创意网络。宇宙万物与程序员、建筑师、音乐家和编舞等众多领域合作，其作品横跨多个领域，从电影导演、身份设计到移动软件艺术和特定场域的视频装置，无所不包。

他们曾为众多品牌和乐队定制作品，包括现代汽车集团、香奈儿、酷玩乐队、美国在线、英特尔、耐克、现代和德意志银行。他们的作品在国际上展出，纽约、伦敦、莫斯科、巴黎、墨尔本、中国……

现代汽车集团就是宇宙万物有着持久而深入的合作关系的商业合作伙伴之一。

身体作为普世语言

2012年，宇宙万物曾受邀为韩国现代汽车Vision Hall创作了一系列视频雕塑。他们走访了韩国的钢铁铸造厂、造船厂、风洞、工业设计工作室、碰撞测试实验室和测试跑道，再通过对舞者进行动作捕捉，让这些运动数据在画廊空间中生成巨大的、仿佛由钢铁铸成的永久雕塑。展现了汽车制造过程背后人类的想象力和创造力。

2012版《人造之象》现场动态截图

"我们想强调的是人的重要性，以及人在创造万物中的作用，"Pyke在记录片中谈及，"虽然你看到的很多东西都是工业化和自动化的，但关键是：人类精神存在于一切之中。"这个理念后来成为整个合作的精神内核。

"但我认为这始终是我作品中非常重要的部分，"Pyke强调，"因为它像是观众的一面镜子。你能在作品中看到自己。这非常重要——你可以通过描绘人体来实现这一点。"

身体是普世的语言。"我们每个人都以某种形式拥有它，"工作室的协作者之一说道，"身体的运动可以团结不同文化、不同政治立场、不同背景的人。"

正是这种普世性，使得宇宙万物的作品既能在高端艺术空间引发深思，也能让一个五岁孩童驻足不前。

"几乎每个互动作品，我都会让我的孩子们试用，"Claire Cook（宇宙万物工作室前成员）在纪录片中笑着说，"因为他们是你最严厉的批评家。如果东西不好，他们会直接告诉你或者不理解。但如果它好你会知道的——因为他们会要求你一遍又一遍地重复。"

“孩子们对艺术没有预设，不知道在画廊里应该保持安静，他们只是用最本能的方式回应，那种释放感，通常从孩子开始，然后蔓延到成年人，"Pyke观察道，"我们想设计的，是让人们可以放松，感觉他们不必高人一等，是孩子和大人可以一起玩、不觉得傻的体验。"

宇宙万物在澳大利亚墨尔本ACMI的展览《Beings》中的作品

色彩是情感的语言

如果说动作捕捉赋予了作品灵魂，那么色彩则是情感的直接传递者。

"色彩是所有事物中最先映入眼帘的，甚至先于形状和内容，"Pyke说。他在大学时代的论文就是研究色彩，这个兴趣贯穿了他整个职业生涯。"色彩是情感的传递者——那种鲜艳感一直存在于我们的作品中，作为一种放大情感的方式。"

在2022年为Hyundai Motorstudio Senayan Park创作的《循环再生》(Re：Cycle)中，色彩叙事得到了精妙运用。作品从灰暗的海面开始，漂浮的塑料瓶破裂成发光的花瓣状碎片，这些碎片溶解为粒子，编织成三条如海洋生物般起伏的彩色飘带，最终，海底盛开出绚烂的珊瑚——整个色彩旅程从压抑到希望，从单调到绚烂。

《循环再生》视频截图

这个作品不仅是视觉的享受，更承载着现实的意义：每辆现代IONIQ 5电动车，都使用了约32个回收塑料瓶制成的座椅面料。塑料瓶经过清洗、粉碎、熔化、纺线，最终成为舒适的面料。艺术作品将这个工业流程诗意化，让观众在美的体验中理解可持续的意义。

类似的叙事策略也出现在《奔流永续》(Run Forever)中。一个奔跑者不断变形：在旅程中不断蜕变，凝聚成充盈能量，最终跃向天空，寓意着氢燃料如何转化为光、水、空气等自然元素，最终技术与自然融为一体，无限循环的未来。

《奔流永续》视频截图

"我们不关注照片般的真实，"团队成员说，"我们关注的是创造出如此可信的计算机生成图像，让人们能进入那个世界，哪怕只相信一瞬间。"

商业与艺术的合作

"与品牌合作对我们来说，和在博物馆创作没什么不同，他们很幸运地给了我们很大的自由，"Pyke在视频中坦言，"我们只是在做发自内心的事，一切取决于它所处的语境。"

这种信任建立在共同的价值观之上。现代汽车不只是想要漂亮的视觉装饰，而是在寻找一种方式，将品牌对可持续未来、人文关怀、技术创新的追求转化为可感知、可体验的艺术形式。宇宙万物正好具备这种转化能力。

"我认为他们最终会和我们一起做一些新的东西，"Pyke说。

从2012年的《人造之象》系列，到2023年在雅加达展出的最新迭代，这个合作已经积累了一个完整的视觉叙事体系：人造之象(Made by Humans)、部落

(Tribes)、我们都是独一无二的(We Are All Unique)、循环再生(Re：Cycle)、奔流永续(Run Forever)——每一件作品都是一个隐喻，共同编织出关于未来出行的人文愿景。

人类之光是一种不断发展、动态的表现，它隐喻着两个人共同创造一个想法

花瓣带来植物生命的有机美

水流形成一条流动的轨迹，最终转化为雕塑般的质感。它隐喻着自然与现代汽车产品和体验设计理念之间的和谐关系

风借鉴了织物在风中飘浮的运动语言，唤起洁净、清新空气的感觉

《人造之象》新版视频截图

"我们逃不掉自己创造的美学，那就像想摆脱自己的口音，"Pyke在一次访谈开头这么说。二十年过去，他学会了不再试图逃离，而是"庆祝和享受倾听自己的声音"。

这个声音，用不同的作品讲着同一个故事：人怎么在数字时代保持人性，技术怎么成为灵魂的载体，还有那个简单的魔法——“给任何东西贴上两个点，它就活了”。

当这个声音和现代汽车对未来出行的人文想象碰在一起，我们看到的不只是品牌和艺术的合作，更是关于"人造之象"的持续对话：在所有工业化、自动化、智能化的表象下，人的精神在怎么与万物发生关联？艺术可以怎么通过人对身体的敏锐感知具象化万物之灵？

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